Han, Hye Soo
(b.1994)
학력
한성대학교 일반대학원 진채화전공 석사 졸업
한성대학교 예술대학 회화과 동양화전공 학사 졸업
개인전
2025 가흥예술창고 입주작가 결과보고 개인전 : 곳에 따라 불, 가흥예술창고, 충주
2025 프로젝트스페이스 우민 : 창 너머의 사건, 우민아트센터, 청주
2025 눈부시게 푸르고 시린 낮, 아트레온갤러리, 서울
2024 표류·여정·풍경, 스페이스 엄, 서울
2022 WHEN WE'RE LOST, 고양시립 아람미술관, 경기
2020 마음에 파도가 친다, 갤러리한옥, 서울
주요 단체전
2026 각자의 지도, 하나의 풍경, 아트스페이스와이, 서울
2025 젊은 대전 작가들, 대전신세계갤러리, 대전
2024 동시다발전, 갤러리모스 및 갤러리가제, 서울
2024 아트그라운드 서울, 노들섬갤러리, 서울
2023 in Bloom, De Art82 x JnMgallery, 서울
2022 NET FAIR-ART DMZ, 지지향, 파주
2022 각자의 방식, TYA갤러리, 서울
2022 Neo Space, 정수아트센터, 서울
2021 THIS OR THAT, 무우수갤러리, 서울
2021 HEAL THE WORLD, OCI미술관, 서울
2021 모두에게 멋진 날들, 서울시 문화본부 박물관과
2021 아트고양 거주작가 초대전, 에코락갤러리, 경기
2020 아시아프, 동대문디지털프라자, 서울
레지던시
2026 가나아뜰리에 레지던시, 화성문화관광재단
2025 가흥예술창고 3기, 충주문화관광재단
수상/선정
2024 시크릿타운 영아티스트 미술상 최우수상 선정, 갤러리ST
2022 경기 미술품 활성화 사업(아트경기) 선정, 경기문화재단
2022 고양우수작가 공모전 고양아티스트 선정, 고양문화재단
2020 청년예술인 자립준비금 지원 선정, 경기문화재단
2020 서울시 신진작가 작품 구입 선정, 서울시
소장
서울시 문화본부 박물관과
사나이픽처스
개인소장
EDUCATION
M.F.A. in Korean Painting (Concentration in Jinchaehwa), Hansung University Graduate School
B.F.A. in Korean Painting, College of Arts, Hansung University
SOLO EXHIBITIONS
2025 Fire in Some Areas, Gaheung Art Studio, Chungju
2025 Project Space Wumin, Wumin Art Center, Cheongju
2024 drift · journey · scenary, Space Um, Seoul
2022 WHEN WE'RE LOST, Aram Nuri Arts Center, Gyeonggi-do
2020 Floating shells, SPACE UM, Seoul
2020 The Wave in the Mind, Gallery Hanko, Seoul
GROUP EXHIBITIONS
2026 Individual Maps, One Landscape, Art Space Y, Seoul
2025 Young Daejeon Artists, Daejeon Shinsegae Gallery, Daejeon
2024 Simultaneous Exhibition, Gallery Moss and Gallery Gaze, Seoul
2024 Art Ground Seoul, Nodeul Island Gallery, Seoul
2023 in Bloom, De Art82 x JnMgallery, Seoul
2022 NET FAIR-ART DMZ, Jijihyang, Paju
2022 Individual Ways, Gallery TYA, Seoul
2022 Neo Space, Jungsu Art Center, Seoul
2021 THIS OR THAT, Moowoosoo Gallery, Seoul
2021 HEAL THE WORLD, OCI Museum of Art, Seoul
2021 Great Days for Everyone, Seoul Metropolitan Government (Museum Division)
2021 Art Goyang Artist-in-Residence Invitation Exhibition, EcoRock Gallery, Gyeonggi
2020 ASYAAF (Asian Students and Young Artists Art Festival), Dongdaemun Design Plaza (DDP), Seoul
RESIDENCIES
2026 Gana Atelier Residency, Hwaseong City Cultural & Tourism Foundation
2025 Gaheung Art Warehouse (3rd Term), Chungju City Cultural & Tourism Foundation
AWARDS AND GRANTS
2024 Grand Prize, Secret Town Young Artist Art Award, Gallery ST
2022 Selected Artist, Art Gyeonggi (Art Market Activation Project), Gyeonggi Cultural Foundation
2022 Selected Artist, Goyang Outstanding Artist Competition, Goyang Cultural Foundation
2020 Recipient, Youth Artist Independence Grant, Gyeonggi Cultural Foundation
2020 Selected Artist, Emerging Artist Acquisition Program, Seoul Metropolitan Government
COLLECTIONS
Seoul Metropolitan Government (Museum Division)
Sanai Pictures
Private Collections
Artist Statement
눈부시게 푸르고 시린 낮
인간이 가진 다른 동물과의 두드러진 차이점이라 할 수 있는 것은 ‘보이는 것 너머를 상상할 수 있다는 것’이다. 우리는 눈에 보이는 것 이외의 세계는 보지 못하는 대신, 이를 상상할 수 있는 능력이 있다. 이것은 때로는 축복으로, 때로는 저주로서 우리 삶에 작용한다. 우리는 이해하기 어려운 것을 해석하려 노력하고, 추측하고 또 동시에 오해와 타자화를 한다. 양날의 검과 같이, 특혜는 곧 한계를 동반한다.
나는 종종 인류 그 자체를 우주 속에서 객관화 해본다. 현대의 우리는 많은 순간 풍요와 안락 속에 잠겨 있다. 그러나 또 많은 순간, 여전히 우리는 사고와 같은 재난을 맞닥뜨린다. 내가 아니었다면 동시대에 살고 있는 그 누군가가 마주하는 일이다.
지금 내 눈에 담기는 눈부신 하루는 누구에게는 시리고 아픈 낮이다. 지난 날의 경험들로 나는 그것을 감각할 수 있다. 바람에 흩날리는 여린 풀들과, 지저귀는 새들, 산책하는 사람들을 바라보면서, 같은 시간 다른 공간에 존재할 전쟁과 범죄, 재난과 사고에 대해 상상한다. 오해와 몰이해로 타자화한 것들이 어느 순간 나비가 되려는 번데기처럼 내 안에 피어나는 상상을 한다.
나의 그림은 그러한 생경하고 이중적인 감각을 담아내기 위한 시도다. 밝고 푸른 색채 아래에는 고요히 통증을 안고 있는 어둡고 차가운 층위들이 있다. 상징으로 재현되는 그림 속 오브제들은 부드러움과 뾰족한 시각 언어로 뒤섞여서 배치된다. 이해할 수 없는 것들을 관찰하고, 의심 없이 받아들이곤 했던 것의 이면을 살펴보는 일은 나의 작업 과정에서 중요한 한 부분이다. 이전 작업들에 이어서 꾸준히 등장하는 파도의 도상이 이 의미를 뒷받침한다. 진실과 선악을 가르기 힘든 파도와 같은 세계에서 중심을 지키고자 하는 나름의 수행이 되는 것이다.
One of the most striking differences between humans and other animals is our ability to imagine what lies beyond what is visible. While we cannot see the world outside our immediate perception, we possess the capacity to envision it. This ability acts as both a blessing and a curse—it enriches our lives, but also complicates them. We try to interpret the incomprehensible, we speculate, and in doing so, we also misread and otherize. Like a double-edged sword, our privilege inevitably comes with its own limitations.
I often attempt to objectify humanity as a whole, placing us within the vastness of the universe. In many moments of modern life, we find ourselves wrapped in comfort and abundance. Yet just as often, we are confronted by disasters—accidents, tragedies, or crises. If not me, then someone else living in the same time is facing them. What seems like a dazzling day to my eyes may be a cold and painful daylight for someone else. Through my own past experiences, I’ve come to sense this duality. As I watch delicate grasses swaying in the wind, birds chirping, and people strolling by, I imagine wars, crimes, disasters, and accidents unfolding in other spaces at the same moment in time. I imagine the things we’ve othered through misunderstanding and misinterpretation—now quietly blooming within me like a chrysalis on the verge of becoming a butterfly.
My paintings are attempts to capture this unfamiliar and layered sensibility. Beneath the bright, blue hues lie quiet, cold strata of pain. The symbolic objects that appear in my work are arranged through a visual language that blends softness and sharpness. Observing what cannot be understood, and looking into the hidden sides of things I once accepted without question—this forms a crucial part of my process. The recurring motif of waves in my work continues to speak to this pursuit. In a world as turbulent and ambiguous as the sea—where truth and morality are often indistinguishable—my work becomes an act of grounding, a quiet practice of holding center.
Review
금세기 회화: 예기, 불안, 징후
홍예지 미술비평가
가리거나, 들추거나. 회화가 프레임으로서 할 수 있는 상반된 기능이다. 화가라면 누구나 이 두 가지 갈림길에 놓이게 된다.
우선 화가는 경계 없는 세상으로부터 볼 만한 것을 도려내어 테두리를 친다. 틀 안에 들어온 것은 무엇이든지 주의 깊게 선택된 것이며, 틀 밖의 것들과 다른 위상을 갖는다. 그것은 주목받아 마땅하고 중요한 가치를 지닌 것으로 간주된다. 또한 그림을 대하는 우리의 태도 자체가 대체로 경건하고 엄숙하기 때문에, 회화의 특별한 지위는 더욱 공고해진다.
이 경우 회화는 권력과 결부되어 의뭉스러운 것이 되기 쉽다. 보는 자의 시선을 낚아채 틀 안에 고정시키는 회화는, (이것을 ‘시선의 강탈’이라고 불러도 된다면) 동시에 시야 밖으로 밀려난 무엇을 은폐하고, 그것과 우리를 떨어뜨려 놓는다. 그러므로 회화적 선택에는 항상 배제가 뒤따른다.
다른 한편, 화가는 이면을 들추는 사람이다. 남들은 잘 보지 않는 것, 숨겨진 장소, 잊힌 이야기, 그리고 무엇보다 우리가 제일 보기 싫어하는 우리 자신의 모순을 집요하게 탐구하는 자다. 이때 회화의 프레임은 “나, 여기 있어요.”라고 외치는 무의식의 신호가 되며, 비가시적인 것이 가시화되기 시작하는 임계 영역을 가리킨다.
한혜수의 그림은 그 자체로 프레임인데, 프레임 안에 프레임을 포함하고 있는 중첩된 구조를 보여 준다. 그리고 그림 안에는 여러 개의 프레임 사이를 넘나드는 날개 달린 존재들(나비, 나방, 하루살이, 새 등)과 비 오듯 쏟아지는 화살들이 등장한다. 이것들은 프레임을 공격하거나 없애려고 하지 않는다. 그보다는 유유히 빈 공간을 오가면서 프레임의 견고함과 완전성이 허구일지도 모른다는 의혹을 제기한다. 배경에서부터 밀고 들어오는 거센 파도는 이러한 의혹을 증폭시킨다. 프레임 안에 안전하게 자리 잡은 안온한 세계, 그리고 프레임 밖에서 휘몰아치는 각종 위험과 사건 현장들은 단순히 대비되는 것이 아니라 병치되어 있으며, 이미 언제나 공존하고 있다.
이러한 장면은 작가의 상상 속에서만 가능한 것이 아니다. 있는 그대로의 현실이다. 우리가 한혜수의 그림 안에서 보는 것은 이 세계의 실상이며, 세계의 한쪽 면만 보기로 선택함으로써 놓쳤던 수많은 진실이다. 이 화면들에는 프레임의 안과 밖이 모두 담겨 있고, 밖으로 추방되었던 것들이 시시각각 안으로 침투하는 광경이 펼쳐진다. 우리가 알든 모르든, 어느 쪽을 선택하든 간에, 그것은 반쪽짜리 진실에 불과하다. 이편과 저편, 이쪽 끝과 저쪽 끝을 같이 놓고 볼 때 비로소 온전한 시야가 확보된다.
한혜수는 프레임으로서 회화가 할 수 있는 것과 포기하게 되는 것을 동시에 알고 있다. 그리고 자신의 화면 안에서 이 사실을 메타인지적으로 바라보는 제3의 시선을 작동시킨다. 프레임 속의 프레임, 가림막 앞뒤의 세계, 빽빽한 수풀 속에서 엿보는 눈, 곳곳의 불 - 이러한 이미지들을 통해 재난과 불행, 가까스로 지켜 내는 일상의 행복이 어둠과 빛처럼 공존하는 세상을 그린다. 이 상반된 세계의 면모는 동시다발적이며, 서로 얽혀 인과의 흐름을 생성하고, 무엇보다 동전의 앞뒷면처럼 하나의 우주를 이룬다. 한혜수는 그림이라는 프레임을 통해 이 사실을 아우르는 다층적인 공간을 만든다. 이때 필요한 것은 균형 감각이다. 전체적인 그림 속에서 각각의 요소가 대변하는 진실은 동등한 위상을 지녀야 한다. 기계적인 배치나 비중 설정이 아닌, 직관적인 연결과 강약의 조율로 그 목표를 달성해 나간다.
한혜수의 그림 속 인물들의 얼굴에 서린 감정은 슬픔이나 명확한 공포가 아니다. 그것은 아직 도래하지 않은 사건을 먼저 감지한 자들 특유의 미세한 떨림, 일종의 예기 불안(anticipatory anxiety)에 가깝다. 눈빛은 멀리 향하지만 어딘가에 고정되지 않고, 마치 지금 여기에 없는 무언가를 본 듯 흔들린다. 이 표정들은 이미 파국을 경험한 자의 체념이 아니라, 파국의 가능성을 견디는 얼굴, 즉 재난과 일상의 경계에서 숨을 고르는 존재의 초상이다. 이 세계에서 인물들은 무너지지 않는다. 그들은 ‘곧’이라는 시간 속에서 서늘하게 살아 있으며, 감정은 아직 말로 굳어지지 않은 채 표면 위로 떠오른다.
이 예민한 감정의 결은 전시 곳곳에 반복적으로 등장하는 손의 이미지를 통해 구체화된다. 뻗어 있는 손, 허공을 더듬는 손, 서로를 향하지만 끝내 닿지 못한 손, 그리고 마침내 무엇인가를 움켜쥐는 손. 이 손들은 단순한 신체 일부가 아니라 세계와 관계를 맺으려는 마지막 감각 기관처럼 보인다. 재난의 빛과 어둠이 교차하는 화면 속에서 손은 행위가 중단된 흔적이자, 여전히 무언가를 붙잡으려는 의지의 잔여물이다. 세계에 균열이 생기고 프레임이 위태롭게 흔들릴수록, 손은 더 선명해진다. 그것은 인간이 끝까지 포기하지 않는 마지막 언어이기 때문이다.
그런 점에서 전시의 마지막 작품 〈그럼에도 불구하고〉는 이 모든 서사의 응답처럼 읽힌다. 손은 이 장면에서 처음으로 어떤 것을 감싸 쥔다. 그것은 거대한 승리도, 구원의 약속도 아니다. 오히려 어둠 속에서도 사라지지 않는 한 줌의 빛, 끝내 놓지 못한 삶의 온기에 가깝다. 빛을 쥔 손은 불확실한 세계의 결말을 선언하지 않는다. 대신 임박한 종말에도 여전히 서로의 존재를 확인하려 애쓰는 마지막 인간들 - 모든 것이 무너진 뒤에도 서로의 손을 붙들고 있는 존재들의 서늘하지만 따뜻한 체온을 떠올리게 한다.
한혜수의 회화는 바로 이 지점에서 독특한 온도를 획득한다. 재난의 파도와 소멸의 조짐이 밀려오지만, 화면은 그 파국의 총량보다 남아 있는 감정의 잔량을 더 오래 비춘다. 세계가 끝나도 사라지지 않는 것은 거대한 서사가 아니다. 다만 어떤 시선, 어떤 손길, 어떤 관계. 그것이야말로 이 전시가 붙들고 있는 마지막 불씨다.
그럼에도 불구하고.
Painting in Our Time: Premonition, Anxiety, and Portents
Yeji Hong / Art Critic
To hide, or to reveal. These are the opposing functions painting can perform as a frame.
Every painter faces this choice.
The painter cuts a piece from the open world and draws a border around it. Whatever enters the frame is chosen with care and stands apart from what lies outside. It is treated as something that draws attention and carries genuine weight. Our quiet, often solemn way of looking at painting strengthens this sense of importance.
In this context, painting can align itself with power and become opaque. Painting grabs the viewer’s gaze and keeps it inside the frame — a force one might call a ‘capture of the gaze’ — while hiding what has been pushed aside and keeping us apart from it. Consequently, every pictorial choice entails an exclusion.
By contrast, the painter reveals what lies beneath. The painter delves into what others overlook, hidden places, forgotten stories, and above all the contradictions we least want to face. At such moments, the frame becomes a signal from the unconscious saying “I’m here,” marking the threshold where the unseen begins to take form. Han Hyesoo’s paintings function as frames in themselves and form layered structures that contain another frame within. Winged beings that slip between these borders — butterflies, moths, mayflies, birds — appear alongside arrows that fall like rain. They do not attack or break the frame. Instead, they drift through open space and question the frame’s firmness and wholeness. Waves pushing in from the background deepen this doubt. The calm world settled inside the frame and the hazards sweeping outside are not simple opposites. They sit side by side and have always coexisted.
Not all these scenes arise from the artist’s imagination. They reflect the world as it is. What we see in Han’s paintings is the world as it is and the many truths we missed by choosing to look at only one side of it. Her images hold both the inside and the outside of the frame, showing how what was pushed away keeps slipping back in. Whether we notice it or not, whichever side we choose, it is nothing more than half a truth. Only when both ends and both sides are held in view does a fuller sight come into focus.
Han understands both what painting as a frame can encompass and what it must relinquish. Within her images, she activates a third, metacognitive view that looks at this fact directly. A frame within a frame, the world before and behind a screen, eyes peering through dense undergrowth, flames scattered throughout — through such images, she renders a world where disaster and misfortune coexist with the everyday happiness we barely manage to hold on to, just as shadow and light do. These opposing worlds unfold simultaneously, intertwining and shaping currents of causality and, above all, forming a single universe much like the two faces of a coin. Through the frame of painting, Han builds a layered space that brings these truths together. What this space requires is balance. Each element must carry equal weight within the whole picture. Rather than through mechanical placement or fixed ratios, she achieves this balance through intuitive connections and a careful adjustment of emphasis.
The faces in her paintings convey neither sorrow nor overt fear. Their expression is closer to a fine tremor felt by those who sense what has not yet arrived, a kind of anticipatory anxiety. Their eyes look outward yet fix on nothing, as if they had seen something absent from this moment. These expressions are portraits of those who endure the possibility of catastrophe at the boundary between disaster and the everyday. They are not the resignation of someone who has already faced ruin. In Han’s world, her figures do not collapse. They live within a time called ‘soon,’ and emotions not yet settled into words rise to the surface.
This keen emotion is articulated through the recurring images of hands throughout the exhibition. Hands reach out, feel through the air, draw toward one another without ever meeting, and finally tighten around something unseen. These hands are not mere body parts but seem like the last sensory organ reaching toward the world. In scenes where the light and darkness of disaster intersect, the hand becomes the trace of an interrupted act and the residue of an urge to hold on. The more the world cracks and the frame wavers, the more distinct the hand becomes. This is because it is the last language humans refuse to relinquish.
In this sense, the final work of the exhibition, Nonetheless, reads as a response to the entire narrative. Here, the hand closes around something for the first time. It is neither a grand victory nor a promise of salvation. Fundamentally, it aligns with a faint light that endures in the dark, the warmth of a life held on to until the very end. A hand that carries light offers no verdict on a world still in doubt. Instead, it evokes the last humans
who, even as the end draws near, still try to affirm each other’s presence, and who, after everything has collapsed, continue to hold on to one another with a cool but steady warmth.
Han Hyesoo’s painting assumes its distinct temperature at this point. Waves of disaster and signs of collapse press in, yet her images linger on what remains, the residue of feeling that outlasts the fall. What survives the end of the world is not a grand narrative. It is a gaze, a touch, a relation. This is the last ember the exhibition holds on to.
Nonetheless.